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El cine es ensueño, es música. No hay forma de arte que vaya más allá de la conciencia ordinaria como lo hace el cine, directamente a nuestras emociones, al penumbroso recinto del alma.

Ingmar Bergman.

Bienvenid@

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Este blog no es de crítica especializada ni académica; solamente de comentarios «al dente» de un espectador común.

Advertencia

Algunos comentarios hacen referencia a momentos claves del argumento o al desenlace de este (spoilers).

23 febrero 2018

El ángel exterminador - Luis Buñuel (1962)



Abulia, onirismo, 
esperpento, surrealismo 
... y amargo de Angostura en este coctel de Buñuel.


Unos aristócratas son invitados a una velada en la casa de los Nóbile. Al llegar, toda la servidumbre, excepto el mayordomo Julio, salen de la residencia en lugar de atender a los invitados. Luego de varios intentos, más retóricos que de facto, ninguno de los presentes logra abandonar la casa durante varios días; a pesar de que no hay ningún impedimento físico para hacerlo. Para acceder al agua, rompen las tuberías de la casa; para comer, Luis Buñuel les proporcionó unas ovejas (vivas, por supuesto, pues es surrealismo puro). El encierro y las condiciones cada vez más precarias hacen que los otrora educados burgueses comiencen a perder la compostura, a perder su humanidad poco a poco, a comportarse como primitivos. Así, por ejemplo, las necesidades fisiológicas no las hacían en baño alguno. Al final, logran salir porque se les ocurre repetir rigurosamente las posiciones y las acciones que cada uno de ellos hacía antes de que surgiese la "imposibilidad" de salida. En la última escena, quedan encerrados, esta vez dentro de una iglesia -siempre en la diana de Buñuel- mucha más gente, incluyendo sacerdotes.

Ya el argumento nos emplaza en un mundo surrealista, carente de lógica y razón. Es eso mismo a lo que parece que apunta Buñuel, a la sinrazón de la existencia, al menos del grupo de burgueses, a los que tanto Buñuel criticó. Varios tópicos emergen de esta situación absurda, que no deja de ser cómica. El progresivo deterioro de las formas de comportamiento civilizado hacia formas más primitivas es uno de ellos. Paralelo a esto, también se observa un cambio en las prioridades del grupo: de una velada culta, con concierto y charla erudita, se pasa progresivamente a acciones que están relacionadas con la simple supervivencia, con la mera manutención de la vida (lucha por agua y comida). La repetición de escenas nos lleva a pensar en las tantas veces que los humanos cometemos los mismos errores (aunque también los mismos aciertos, claro), que tropezamos con la misma piedra una y otra vez, sin aprender de ello. Otro tópico que la película muestra es la incapacidad en llegar a acuerdos para salir de la insensata situación, pasando por falta de liderazgo empático que aglutine las diversas opiniones del grupo. Los burgueses están presos de sí mismos y por sí mismos, presos de su sistema de creencias; igual que lo están, al final, los beatos y feligreses, presos de su creencia religiosa. Buñuel se apiada de ellos al final y los libera, pero no sin antes hacerlos sufrir unos cuantos días. ¿Suerte de venganza del maestro? El ángel exterminador es la caverna de Platón en un entorno y visión surrealistas. Es la caverna, cavada por ellos mismos, por las víctimas -que también son victimarios-, desentendiéndose de la salida -que también fue la entrada-, obviando que ésta existe. Toda una obra maestra del genio de Teruel.

Al ver la película, no puede uno menos que hacer símiles -salvando las obvias diferencias- con hechos históricos tan disparatados como el que nos muestra esta cinta. Los alemanes bajo el yugo nazi, impotentes para lograr retornar a un mundo normal, se desconocían ellos a sí mismos. Los españoles bajo el yugo franquista, igualmente impotentes, presas de la abulia, acostumbrados a una existencia "así". La situación actual de la sociedad venezolana, encerrada en una trampa de jabalíes, sin saber qué hacer ni cómo ponerse de acuerdo en ninguna de las múltiples soluciones que algunos han ofrecido, mientras la degradación social llega a límites impensables, más allá de las transgresiones pasolinianas de Saló. En estos casos, a diferencia de los burgueses de Buñuel, ha habido (hay, en el caso venezolano) fuerzas muy potentes que obran para que no haya salida a la situación; fuerzas exógenas al grupo de cautivos. Pero no sería de extrañar que también haya habido fuerzas endógenas a ese grupo: victimarios haciéndose pasar por víctimas.

Por muy contradictorio o hilarante que suene, solo nos queda darle la "razón" a Buñuel, que incluyó una nota para el estreno de este film en París que decía: "Si el filme que van a ver les parece enigmático e incoherente, también la vida lo es. Es repetitivo como la vida y, como la vida, sujeto a múltiples interpretaciones. El autor declara no haber querido jugar con los símbolos, al menos conscientemente. Quizá la explicación de El ángel exterminador sea que, racionalmente, no hay ninguna."

Silvia Pinal, la memorable Viridiana
comentando sobre esta película en una entrevista.

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El ángel exterminador en teatro

La directora Blanca Portillo, ha llevado al teatro una obra homónima, inspirada en la legendaria película de Buñuel, sin pretender hacer una reinterpretación ni nada por el estilo, de acuerdo a lo que ella a expresado. Estoy seguro que será una interesante adaptación. Estará en cartelera hasta el 25 de febrero en el Teatro Español.

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15 febrero 2018

Verano 1993 - Carla Simón (2017)



Más allá del deber ser está el deber querer, el amor.


Frida, una niña de seis años de edad, queda huérfana y ahora debe vivir con su tío Esteve (hermano de su madre) y la familia de éste: Marga, su esposa, y Anna, su hija de tres años. Después del shock inicial en que la deja su súbita orfandad, Frida intenta llevar una vida normal; pero no es nada fácil, el nuevo hogar no solo implica nuevas personas en su día a día, también una serie de normativas y formas de hacer las cosas y de comportarse. Un deber ser que, en ocasiones, la desesperan. Llega al punto de querer abandonar su nuevo hogar. En una memorable -e hilarante- escena, desiste de hacerlo de noche y regresa a casa diciendo, delante de sus tíos y su prima, que se irá "mañana, porque hoy está muy oscuro".

Pero no solo Frida atraviesa por una situación incómoda a la que deberá adaptarse; también para los demás es algo novedoso y son más las veces que no saben cómo encauzar los desencuentros que las veces en que sí lo logran. La paciencia, la tolerancia y el tiempo forman parte del andamiaje que permitirá que Frida logre acoplarse a su nueva familia, y viceversa. Ese andamiaje no estará completo hasta que, en última instancia, cuente con un ingrediente insustituible y obvio: el amor. En la emotiva escena final, Frida -llorando- entiende que éste se ha sumado, por fin, a su nueva vida. Ya no es menester irse, ahora sí es parte de un hogar, de una familia. También los demás se dan cuenta de ello, o se darán cuenta. No todo son deberes y formas correctas e incorrectas de desempeño. ¡También hay caricias, risas, besos y acciones desenfrenadas y no estructuradas en la vida!

Hay que acotar que son los adultos los más rígidos y los que ponen más dificultades para la inserción de Frida en su nuevo hogar. El personaje de Anna, la niña de tres años, es el que pareciera entender las cosas mejor que nadie, incluso que Frida, a lo largo del difícil período de adaptación; a decir por su comportamiento, siempre dócil y conciliador. Quizás sea porque precisamente al ser la de menor edad es la que tiene menos juicios previos sobre las cosas y las personas.

Una película bien hecha, con una cadencia que, si bien al comienzo parece un tanto lenta, se entiende luego que así ha debido de ser. Las actuaciones son, igualmente, muy buenas. Al final, una nota que dice que el film está dedicado a la memoria de Neus, la madre de la directora-guionista, Carla Simón, nos advierte subrepticiamente que la película puede tener elementos autobiográficos. En su entrevista, confiesa que así es, si bien no puede diferenciar cuáles son reales y cuáles son ficticios. Los humanos somos víctimas de nuestra precaria memoria, por lo que contamos en nuestra historia indistintamente con hechos y mitos sobre nosotros mismos que no logramos distinguir. Para fortuna del cine, la mezcla de realidad y ficción logra crear cintas como esta, que nos hacen reflexionar sobre las cuestiones importantes de la vida.




04 febrero 2018

Trás-os-montes - Margarida Cordeiro y António Reis (1976)


Fotograma tomado de la ficha del film en IMDb.

Una visión poética del arraigo


La película Trás-os-montes no pertenece a un cine convencional. Sus directores, los esposos Margarida Cordeiro y António Reis, no hicieron un cine complaciente con la audiencia o la crítica, mas con ellos mismos y con la gente que retrataron en sus filmes. En el caso de Trás-os-montes, el filme ofrece una mirada poética a la forma de vida de los pobladores de las regiones de Trás-os-montes y Alto Duero, situadas geográficamente en el noreste de Portugal y socialmente en la pobreza. Una mirada que contiene el sentir de la gente entre sí, el sentir de la gente con su tierra, el arraigo, el sentido de pertenencia a ese pedazo olvidado por los centros de poder, que legislan a distancia sobre algo que, probablemente, desconocen. No deja de ser una extraña coincidencia que también el noreste de Brasil presenta esa misma pobreza y olvido.

Trás-os-montes carece de historia propiamente dicha; es, más bien, un collage de imágenes que nos muestran la forma de vida de los pobladores del noreste, en una cadencia hipnóticamente lenta, donde no hay prácticamente elipsis, donde en lugar de omisiones hay largas expectaciones. Ese ritmo es análogo al devenir deliberadamente lento de la vida en provincia, de lo rural, donde pareciera que el tiempo no juega un rol de importancia. Sin embargo, y por contraposición, es precisamente en el tiempo en el que ocurren las migraciones en busca de un mejor futuro y esa lucha, digamos ontológica, entre el deber y el arraigo, entre irse o quedarse; es una lucha descarnada, que toca a lo más íntimo del Ser, pues nos recuerda que somos en la medida en la que estamos insertos en un espacio social y, por ende, geográfico. Esa identificación entre el ser y el sitio, el arraigo, pareciera ser el planteamiento central de esta producción. La contraposición, antes mencionada, está representada en el film en las escenas en las que un viejo ferrocarril llega, al comienzo de la película, y se va, al final de la misma. Llega el desarrollo para llevarse a buena parte de los pobladores y hacer mermar, aún más, las esperanzas de la pobre región. Aquí el ferrocarril no deja de remitirnos al ferrocarril de Cuentos de Tokio: ambos representan al progreso que irrumpe desde otros lados en la bucólica campiña de los protagonistas.

Podría interpretarse, entonces, que el filme alude al ser-ahí heideggeriano y que la disrupción provocada por la migración obliga a los emigrantes a canjear lo que pudo ser una existencia auténtica(1), de la que disfrutaban en su terruño, por una existencia inauténtica(1), que es la que les ofrecerán los centros urbanos empleadores; entendiendo éstas existencias como las enunció Heidegger. Pareciera que la cura(1) que el film propone es el arraigo, es decir, el no abandono de la tierra nativa. Esto explicaría, por otra parte, el porqué Margarida Cordeiro -según he sabido- regresara a su región natal (Trás-os-montes) luego de la muerte de su esposo. Ahora bien, la intención de los cineastas era menos ambiciosa, más simple, era mostrar fílmicamente lo maravillados que se sentían mientras andaban por esas tierras en su Land Rover(2), lo encantados que se sentían con las gentes, con los animales, con la naturaleza.

Si se intentase etiquetar esta cinta, uno piensa en el cine documental, en la docuficción y en el Novo Cinema brasileño, evidentemente. También uno piensa en que las etiquetas no siempre hacen justicia a las obras de arte; incluso pueden entorpecer. No deja uno de recordar el neorrealismo italiano y a nuestra gran película, Araya, en la que Margot Benacerraf también nos mostrara escenas -absolutamente poéticas- de la vida de los pobladores de la península antes del advenimiento de la tecnología que cambiaría sus vidas y pondría en el banquillo su arraigo y su sentido de pertenencia. Trás-os-montes, al igual que Araya o Pather Panchali, nos muestra una triste realidad con la gentileza, la honestidad y el respeto por los dolientes que solo los poetas pueden imprimir a una obra. Quizás la etiqueta que mejor les va a este tipo de film sea la de cine-poesía.

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(1) Términos de la filosofía de Martin Heidegger.
(2) De acuerdo a lo que confesara M. Cordeiro en una entrevista: "Nós queríamos traduzir em linguagem fílmica o nosso encantamento com as gentes, os animais, as paisagens e o modo de vida desta zona. Quisemos traduzir a maravilha que sentíamos.
Entrevista en este enlace:

Reseña en el website del Museo Reina Sofía: http://www.museoreinasofia.es/prensa/nota-de-prensa/obra-prestigiosos-cineastas-portugueses-margarida-cordeiro-antonio-reis-llega
Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0075354
Reseña en Wikipedia (portugués): https://pt.wikipedia.org/wiki/Tr%C3%A1s-os-Montes_(filme)
Críticas (portugués):
http://antonioreis.blogspot.com.es/2006/03/141-trs-os-montes-crtica-de-jos.html,
http://reposicaocinema.blogspot.com.es/2007/08/o-cinema-em-trs-os-montes.html,
http://antonioreis.blogspot.com.es/2005/12/128-trs-os-montes-crtica-de-lus-de.html




12 enero 2018

El buen amor - Francisco Regueiro (1963)



Recuerdos de una España monacal


Este es el primer largometraje de Francisco Regueiro. El argumento es muy sencillo: una pareja de novios que vive en Madrid, decide romper la rutina pasando un día en la cercana ciudad de Toledo. Acompañamos a la pareja de estudiantes en su viaje en tren y en su paseo, en el que se suceden encuentros y desencuentros entre ellos. También desfilan una buena muestra de personajes de la época (años sesenta), que Regueiro muestra deliberadamente.

Mari Carmen (Marta del Val) y José (Simón Andreu), la pareja de novios, no logran del todo desprenderse del ahogamiento que la rutina de sus vidas les impone, si bien, gracias a su juventud, tienen energía y gran capacidad para improvisar y llenar algunos de los espacios vacíos que también sienten en Toledo. De acuerdo a lo que parece decirnos el director Regueiro, ese ahogo no es un atributo de las ciudades o de las vidas de los protagonistas, sino más bien es parte del férreo franquismo que sumió a la sociedad española de posguerra. Las miradas y gestos de juzgamiento de guardias civiles y religiosos sobre la pareja, que ocasionalmente se besa o hace algún gesto que rompe con los estándares -usual en otras latitudes- muestra esa atmósfera represiva que ejercieron los cuadros militares y religiosos durante esa etapa histórica de España. Una España rural, pre moderna, monacal, que si bien rebosaba de cierta inocencia y candidez, también estaba aprisionada por un aislacionismo y una moral un tanto retrógrada, impuesta por un tirano, no por consenso social.

Viendo esta cinta, no deja uno de recordar algunos filmes de Michelangelo Antonioni, debido a la atmósfera similar, gestos y reacciones de los personajes que nos recuerdan escenas de La aventura, La noche o El eclipe. No es tan elaborada como los filmes de Antonioni (seguramente Regueiro no contaba con la tecnología, los recursos o la experiencia del maestro italiano), pero nos los recuerda. Hay una similitud en cuanto a la vacuidad existencial que muestran los personajes, su dubitativa indefinición sobre su futuro y su presente, su aburrimiento, su inconformismo, que se desprende de los encuadres o de la edición (del imprescindible Pablo G. del Amo). Una buena película que, a pesar de tratar sobre un aburrido día de una pareja, no resulta aburrida en absoluto. Nos hace reflexionar sobre la vacuidad existencial, el inconformismo, los sueños de juventud, el amor, pero también sobre el control social que se ejerce en los sistemas autoritarios.



05 enero 2018

Interestelar - Christopher Nolan (2014)



1D, 2D, 3D, 4D, 5D,...


Pocas veces se puede disfrutar de películas de ciencia ficción que no se apoyan en las muletillas de los efectos especiales y las escenas fantasiosas y efectistas, centrando su temática en lo científico. Interestelar es un caso de estos, en los que los conocimientos límites de la ciencia (la astrofísica en este caso) se han colocado en el primer plano de la producción. Viene de la mano de un realizador que ya en anteriores ocasiones ha abordado temáticas extravagantes(1), Christopher Nolan. Véase, por ejemplo, Origen (Inception), en la que había sueños dentro de sueños como capas de una cebolla, o la difícil Memento, con uno de los guiones más complejos de los que uno tenga noticia.

Aunque no es la primera vez que aparece una explicación de la teoría de la relatividad en un filme, hay que resaltar que las diversas explicaciones que en éste se ofrecen, incluyendo algunas famosas paradojas relacionadas con tan extraña teoría (como la paradoja del abuelo), son bastante inteligibles. Hay escenas con un -supuesto- realismo alucinante, tal como el paso por el agujero de gusano (agujero de gusano esférico, no tubular) y el vuelo rasante por los predios de Gargantúa, el agujero negro supermasivo. También las escenas en los planetas visitados son fascinantes. No me voy a detener en el argumento, suficientemente detallado en el artículo de Wikipedia, ni en la precisión científica de la que hace alarde esta gran película, también reseñada en dicho artículo. Ha sido aclamada por astrofísicos: ya ello dice todo lo que se pueda decir de su precisión científica. Además, nada menos que un premio Nóbel de física fue su asesor científico: Kip Thorne. Desde el punto de vista cinematográfico, fue impecablemente realizada y las actuaciones son encomiables (todas ellas), al igual que los efectos especiales, la fotografía, el sonido, etc.

Interestelar es un film en el que se combina un mundo distópico (la Tierra muriendo por las tormentas de polvo que acaban con las cosechas) y un futuro promisorio, optimista, utópico: el establecimiento de la especie humana en una galaxia distante. Un claro mensaje científico. La ciencia, y su hija la tecnología, culpables -o no- de haber acabado con este mundo son, a su vez, las que pueden ofrecer una salida al colapso, a la extinción. Hoy se plantean en la vida real, de similar manera, problemas medioambientales (por muchos adjudicables a la ciencia y a la técnica) que bien podrán ser resueltos a través de la ciencia y de la técnica (ojalá así sea), antes que con soluciones -un tanto ambiguas, inciertas y a pequeña escala- que suponen la mera reducción del consumo, regresar a formas primitivas de vida o el acudir a una concienciación que se nos antoja muy difícil de implementar. Esta visión es científica, pero no tiene porqué ser cierta. Tampoco tiene porqué ser incierta: en el pasado reciente se han hecho descubrimientos notables que podrán ayudar a que el desequilibrio ambiental se recupere, tal como el de las bacterias que se alimentan de CO2 y excretan combustibles(2). La bioingeniería, la nanotecnología y otras áreas que están desarrollándose a velocidades asombrosas, pueden ser la clave para solucionar los preocupantes problemas del medio ambiente.

En relación con el viaje interestelar per sé, existen físicos, como Martin Rees, que creen que los viajes a parajes tan lejanos como los que visitan nuestros queridos astronautas de Interstellar, solo será posible para robots, no para humanos, pues las distancias a cubrir trascienden -con mucho- la vida humana, incluso de varias generaciones(3). No es de extrañar que, ante semejante barrera, Nolan y sus asesores hayan apostado por un viaje a través de un agujero de gusano, constructo teórico que podría recortar drásticamente las distancias. Los agujeros de gusano, sin embargo, a la fecha son elementos meramente teóricos, productos matemáticos y nunca han sido observados en el cosmos. Hasta ahora, la visión de Rees es la que hemos llevado a buen término: las sondas más alejadas de casa son robots, no van tripuladas. Las más notables son las Voyager I y II, las Pioneer 10 y 11 y New Horizons, que hace dos años pasó cerca de Plutón y nos maravilló con fotografías de este pequeño cuasi planeta y su gigantesco satélite(4).

Si estamos destinados a emigrar del planeta Tierra eso no lo sabemos. Nuestro inquieto espíritu aventurero, de curiosidad insaciable, nos mueve a visitar otros territorios. Ya hemos ido a la Luna y ya hemos enviado sondas que hoy están muy lejos. Se habla mucho sobre la terraformación de Marte y sobre la visita a otros vecinos del Sistema Solar. Espero que dispersemos nuestra simiente al menos en el vecindario cósmico cercano. Sin embargo, estas empresas son muy difíciles y consumirán muchísimos recursos, vidas y tiempo. No por ello, o porque sean otras las generaciones que verán el producto de esos esfuerzos, no se llevarán a cabo. Estoy seguro que el ser humano emprenderá viajes lejanos. Ya lo ha hecho, con sus sondas. Lo hará personalmente, sin duda.

Este filme, en sus casi tres horas de duración, toca otros temas que bien podrían discutirse. Al menos los ofrece como objetos de reflexión o de discusión, por lo que las escenas triviales son realmente mínimas. Es el caso de las relaciones familiares (específicamente la de padre e hija), la ética del investigador (la honestidad para ser preciso), la robótica y la inteligencia artificial, la influencia de los sentimientos al momento de tomar decisiones trascendentales, la negación de eventos históricos, incluso el homicidio. Sobre estos temas y sobre algunos otros toca esta gran película del cineasta Christopher Nolan; si bien no son los temas medulares, como sí lo son los expuestos en los parágrafos anteriores. Es una de esas buenas películas que uno ve varias veces a lo largo de su vida. Tal como 2001: una odisea espacial.


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(1) Sonaría mejor "bizarras", pero con el significado de bizarre, en inglés, y no el que aún le da el DRAE a esta palabra.
(2) Véase: http://www.europapress.es/ciencia/laboratorio/noticia-bacteria-diseno-consume-co2-hidrogeno-excretar-fuel-20160531180045.html
(3) Véase, por ejemplo, su artículo Viajes interestelares y poshumanos.
(4) Grande en relación al tamaño del planeta que orbita.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0816692
La ciencia detrás de Interestelar:
https://www.youtube.com/watch?v=WRJY-kwkZsk


29 diciembre 2017

Todo mujer - Rafael Gordon (2015)


Imagen tomada de IMDb.

Yo soy si te doy


Este interesante filme, protagonizado brillantemente por Isabel Ordaz, nos invita al interior del mundo de una mujer mayor, de nombre Amalia, que vive sola en un palacio en ruinas, junto a personajes reales y ficticios, que le van desdibujando su precaria y decadente existencia. Pasan por el palacio un amante, que siempre deambula por ahí; su hija, en viaje fugaz; una amiga con sus hijos; el recaudador de impuestos, a quien recibe a balazos; o un mendigo, al que lleva a vivir con ella. En el patio tiene una gallina que le provee de ocasionales huevos para alimentarse. 

Como en otras cintas en las que se confunden personajes secundarios reales y ficticios, no solamente sirven estos para amenizar el argumento, sino también para entender el mundo del personaje principal, un mundo en el que la "realidad" fáctica del entorno se mezcla con los sueños, los delirios o los deseos para conformar una realidad más completa, más compleja y más rica de lo que a primera vista pareciera. En esa mixtura no siempre es posible entender la dimensión y el peso de lo onírico frente a lo real-fáctico: pueden tener mayor peso existencial los personajes y hechos virtuales que los reales, o viceversa. Sin embargo, esos personajes y hechos nos ayudan a entender el personaje central que navega por ese mar de ensueño... o de aguas turbulentas.

En medio de tan deprimente -y onírico- panorama, Amalia no deja de sentir la vida y ser optimista, a pesar de todo. Al final, pareciera conseguir una motivación para seguir adelante cuando hace algo por el otro, por el mendigo. Lejos de constituir un pesar adicional a su ya triste existencia, es eso mismo lo que le da nuevos bríos y alegría a Amalia.

Tal como afirma cierto pensamiento, que remeda el imperativo kantiano de que tratemos al otro teniendo en cuenta de que ese otro es un fin en sí mismo, el final de la película plantea que nuestra existencia vale la pena en tanto en cuanto le sirvamos a los otros. Somos en la medida de lo que hacemos por los otros.

Otra interesante lectura, desde una perspectiva muy distinta (política), es la que le ha dado Carlos Loureda (en este enlace).

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=6Km2CozafUs
Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4059552



22 diciembre 2017

Ex Machina - Alex Garland (2014)



¿Qué hay más allá de Turing?




Caleb es un empleado de una gran empresa digital y es invitado a pasar una semana en la casa del presidente de dicha empresa; aparentemente porque ha sido el ganador de ese premio. Sin embargo, Nathan (el excéntrico ejecutivo) lo ha invitado para que realice un test a un robot con inteligencia artificial que él ha concebido y construido ahí en su casa. El robot, de nombre Ava, es de apariencia femenina (es un ginoide) y obviamente aprobaría el test de Turing, pues es un androide con inteligencia artificial avanzada. El objetivo es establecer si Ava es capaz de tener conciencia de sí misma y de su entorno. Prácticamente es estudiar si es posible que sea capaz de comprender, de tener conciencia de su propia existencia. Es una incógnita del ámbito ontológico y pondría es crisis la metafísica, pues no está ésta formulada ni argumentada para un ser digamos "electromecánico" o algo por el estilo, sino para los seres humanos(1).

Dicho de esta manera, tal parece que sería una afronta filosófica para discurrir sobre el Ser en el caso de androides, tal como estaba también planteado en la película Blade runner para el caso de los replicantes. Si bien para los replicantes, que son seres orgánicos, originados a partir de genomas humanos, esta respuesta puede ser más fácil de responder, no lo es para el caso de Ava. Ava es un robot con inteligencia artificial avanzada, un androide, capaz de aprender y diferenciar las cosas, incluso las más sutiles. Llega incluso a manejar el entorno para fines propios específicos a espaldas de su creador o de cualquier humano. Tiene iniciativa y autonomía. No tiene alma o espíritu, sea eso lo que sea, y que nos distingue a los humanos de los demás seres que conocemos, pero sí parece distinguir el bien del mal. ¿Tiene capacidad de amar y odiar? Esa es una de las interrogantes que nos hace el film de Garland.

¿Alguna vez tendrán las máquinas la autonomía de la que goza Ava? ¿Esa autonomía les será otorgada por los humanos o la tomarán las máquinas por su propia cuenta? ¿El verbo ser, con todo lo que implica, será (valga la redundancia) aplicable a los androides? Todas estas interrogantes, y más, fluyen viendo esta excelente película, que -si bien rebosa de extraordinarios efectos especiales y una cuidada ejecución- rebosa también de preguntas sobre la inteligencia artificial (IA). El film propone una inquietante respuesta. Pero esa respuesta que Ex Machina explora también se puede desprender de algunos planteamientos que técnicos y científicos del área de IA han expuesto; véase, por ejemplo, los artículos sobre IA que figuran en el excelente libro El próximo paso: la vida exponencial(2)

Para quien esto escribe, no hay duda de que la IA nos superará en posibilidades reales, fácticas, en lo que refiere a las labores de construir el mundo -y pensarlo-. Quizás, hasta nos sustituyan. Respecto a si tienen o no alma o conciencia (o algún equivalente de estos conceptos), no faltará quien nos pregunte, a modo de abogado del diablo, si todos, absolutamente todos, los humanos han dado muestra de tenerlas y si, en caso de respuesta negativa, ello ha sido motivo para que dichos humanos se consideren no seres.


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(1) Desde la óptica de la metafísica heideggeriana, siendo Ava el ser (¿o el ente?) de estudio, ¿es ella el dasein?, ¿se pregunta ella por su propia existencia, es consciente de ella (de su existencia)?
Quizás para el análisis de esta crisis metafísica podría ser de particular utilidad la filosofía de Heidegger, bien por el concepto de dasein como por su afinidad con la técnica y la interpretación que de ella hizo.
(2) En este mismo libro, hay un interesante artículo -en el que el lector puede probarse como entrevistador humano en tests de Turing reales- de título "El futuro de la comunicación humano-máquina: el test de Turing".

Artículo en Wikipedia, con argumento:
https://es.wikipedia.org/wiki/Ex_Machina_(película) 
Sitio web de la película: http://exmachina-movie.com/


15 diciembre 2017

El Cid cantado por Antoni Rossell - Carlos Heusch (2016)



¡Dios qué buen vasallo, si tuviese buen señor!


El pasado 23 de noviembre, se proyectó en el Instituto Cervantes el estreno en España de esta singular película. En la proyección estuvieron presentes el director, el cineasta francés Carlos Heusch y el cantante español Antoni Rossell, quienes presentaron la obra y ofrecieron un foro al final de su proyección. 

El filme, de algo más de hora y media de duración, presenta al cantante Antoni Rossell recitando algunas partes (las más representativas) del Cantar del Mío Cid; el 16% del extenso cantar, de acuerdo a lo que comentaron Heusch y Rossell en el panel. Rossell no viste a la usanza medieval, ni la película está ambientada en dicha época, al igual que no recrea los pasajes que se recitan. Esto (el recrear los sucesos), lo dejan los autores a la imaginación del público; el cual ya cuenta en su bagaje con el imaginario hollywoodense(1) y sus propias ideas tras haber leído, aunque sea en etapas tempranas de la escuela, la famosa historia del Cid Campeador Rodrigo Díaz de Vivar. Adicionalmente a la visualización de Rossell recitando el poema, esto sí a la usanza medieval, se muestran algunas fotografías fijas o tomas de lugares históricamente relacionados con la épica del caballero de Vivar, hoy en ruinas. Algunas imágenes, como las que representan al Cid o a doña Jimena, su señora, no corresponden con los personajes del cantar. El recital es en castellano antiguo (versión original del poema), de manera que hubo de requerir de subtítulos en español para poder seguir la trama del juglar. Los gestos y ademanes de Rossell corresponden, hasta donde es posible afirmarlo, a las maneras medievales, al igual que la vocalización del –a veces- extraño lenguaje empleado. La película no ha sido un simple trabajo de cinema, llevó casi veinte años de investigación por parte de Rossell, quien tuvo que imbuirse de lleno en la trama, los personajes, la Edad Media, asesorado en ocasiones por expertos de diversas áreas (musical, filológica, literaria, histórica).

Llama la atención que, a pesar de parecer insípida la manera en la que fue realizada, no lo es en absoluto y el público permanecimos absortos oyendo el cantar, e imaginando lo que no podíamos ver de la historia, ayudados por los minimalistas elementos visuales del film. Ni pizca de aburrimiento supone su visionado, lo que dice mucho del encomiable trabajo fílmico de Heusch, así como el de juglar por parte de Rossell. Huelga decir que contaron con un material base muy sólido: una historia que, tras casi mil años, sigue fascinando a quien la conoce.

Una película académica que probablemente no será vista en teatros comerciales, pero que esperamos que sea presentada en los recintos educativos y en las instituciones de difusión cultural.

Reseña del film en el website del Instituto Cervantes:
http://www.cervantes.es/FichasCultura/Ficha117264_00_1.htm
El cantar en Camino del Cid:
http://www.caminodelcid.org/cid-historia-leyenda/cantar-mio-cid/
El Cid en Cervantes virtual:
http://www.cervantesvirtual.com/portales/cantar_de_mio_cid/
Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt6764416

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(1) Cualquier película ambientada en la época medieval sirve para remembrar el estereotipo del héroe medieval y las doncellas de entonces; entre ellas, la decente versión protagonizada por dos grandes actores: Charlton Heston y Sofia Loren en 1961, titulada El Cid.


15 mayo 2015

La estrategia del caracol - Sergio Cabrera (1993)



Fuenteovejuna real state


Una vieja casa colonial, enorme y abandonada, es tomada por personas sin techo. Familias, parejas, gente sola, habitan el inmueble y conforman una pequeña comunidad. Antes le llamábamos casa de vecindad. Algunos de ellos la habitan desde hace más de 20 años, tiempo que, según muchas legislaciones, el que ocupa el inmueble es automáticamente el dueño si el verdadero propietario no reclama su propiedad. Aparece el heredero y pretende que desocupen la casa para disponer de ella. Como es un individuo adinerado, el reclamo procede. Uno no sabe cómo llamarle a ese «derecho» que baila al son del dinero mientras le da la espalda a las leyes. Supongo que sea corrupción el término que cabe. Los vecinos se ayudan de un abogado pero este no puede con la injusticia instituida por el potentado y aplicada por el estado. Jacinto, uno de los residentes, que se desempeña como tramoyista, convence a los vecinos para llevar a cabo una estrategia que les resolverá el problema.

09 mayo 2015

El show debe continuar



La vida continúa en una Berlín destruida


Chronos media es una empresa alemana empeñada en dar a conocer la historia. Dicen en su website que la Historia necesita de gente que cuente su historia (esa que Unamuno llamó la intrahistoria). También dicen que aquél que entiende la Historia entiende a la gente y así se sientan las bases de un mundo justo. Tienen razón.

Su documental Berlín y Potsdam 1945 - Consecuencias (insertado arriba), es un trabajo de restauración de viejos videos tomados luego de la caída de Berlín, en 1945. Han tenido la cortesía de compartirlo gratuitamente con todos. Es en color y solo tiene el sonido callejero de fondo (añadido en postproducción). Un loable trabajo técnico, digno de crédito y admiración.

Proyecto El chico

En 2007 realizamos un proyecto en ambiente Web 2.0: traducir la película -en dominio público- El Chico, de Charlie Chaplin (1921), a diversas lenguas. Inicialmente en Google Video se tradujo a 26 lenguas, 4 de ellas por humanos: 3 por colaboradores de Portugal, Francia e Italia, y el autor de este blog. Las demás lenguas se tradujeron vía traductores online, mayormente a través de Translate Google. Actualmente la película está en YouTube, con intertítulos en 12 lenguas. Más información sobre este proyecto en este enlace. Ver la película en YouTube.

Directores de películas comentadas

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